Anuszkiewicz Richard (Ричард Анушкевич)
Ричард Анушкевич родился в американском городе Эри, штат Пенсильвания. Он был единственным ребенком в семье польских иммигрантов. Несмотря на то, что вырос в семье со скромным достатком, Анушкевич позже вспоминал: «У меня действительно было очень счастливое детство, и я никогда ничего не хотел … У меня были товарищеские отношения, привязанность, все самое хорошее». Любовь к искусству у Ричарда проявлялась с детства: он рисовал каждый день при активной поддержке родителей. Его отец, который управлял машиной на бумажной фабрике, поддерживал юный талант, принося домой блокноты. Семья Анушкевича была католической, и он посещал католические начальные школы, где ему дали возможность в дополнительное время заниматься рисование, так как у Ричарда была отличная успеваемость.
В 1944 году Анушкевич перешел в техническую школу Эри, посещая уроки рисования по три часа каждый день. На этих занятиях Ричард узнал о теории цвета импрессионистов, теории дополнительных цветов и спектральной призме. Даже в старших классах его подход к живописи был очень дисциплинированным. Анушкевич ставил перед собой важную задачу: смешать широкий диапазон тонов из ограниченной палитры из трех или четырех цветов. Учитель по рисованию поощрял желание Анушкевича участвовать в конкурсах, многие из которых он выигрывал, в том числе главный приз на выпускном курсе на Национальной премии в области схоластического искусства 1947 года и, в конечном счете, полную стипендию Кливлендского института искусств.
В Кливлендском институте искусств Анушкевич начал упрощать свои репрезентативные сцены до абстрактных рисунков. Летом 1950 года, между второкурсником и младшими классами, он экспериментировал с пленэром на Кейп-Коде с художником Генри Хенше, который углубил свое понимание импрессионистского движения, обучая его импрессионистской технике смешивания цветов на холсте. В последний учебный год в Кливленде Анушкевич получил Пулитцеровскую стипендию для изучения искусства в Европе. Однако, чувствуя острую необходимость узнать больше о принципах цвета, Ричард решил вместо этого поступить в Йельскую школу искусства и архитектуры, чтобы учиться у известного художника и теоретика цвета Йозефа Альберса, который тогда возглавлял факультет живописи.
Альберс был бывшим преподавателем колледжа Баухаус и Блэк Маунтин, который уже обучал поколение американских современных художников, таких как Сай Твомбли, и чьи точно сформулированные теории сочетания цветов, позже изложенные в книге «Взаимодействие цвета» (1963), способствовали глубокому пониманию цветовых отношений среди бесчисленных преподавателей и студентов-художников. Альберс был грозным и требовательным учителем, который укреплял способности своих учеников к восприятию с помощью упражнений, основанных на наблюдении и эксперименте.
Анушкевич окончил Йельский университет со степенью магистра изящных искусств в 1955 году, изучая принципы упрощенного абстрактного искусства под влиянием Баухауза и конструктивистов, а также теории взаимодействия цветов Пауля Клее. Работы Анушкевича становились все более абстрактными, поскольку он все больше и больше впитывал эти концепции. Он также заинтересовался наукой о восприятии и оптике, прочитав книгу перцептивного психолога Рудольфа Арнхейма «Искусство и визуальное восприятие», которая вдохновила его на тему дипломной работы «Исследование создания пространства с помощью рисования линий». Работа, проделанная над диссертацией, принесла Анушкевичу большую пользу, и линия стала важным композиционным инструментом в его творчестве, уступая только сочетанию цветов.
Начиная со второго года обучения в Йельском университете, Ричард Анушкевич поселился в комнате со своим другом из Кливленда (и будущим влиятельным оптическим артистом) Джулианом Станчаком, который также имел польское происхождение. Два студента вместе отправились в Нью-Йорк, чтобы увидеть картины абстрактных экспрессионистов и других художников, чье использование цвета взволновало Анушкевича, в том числе Стюарта Дэвиса, Бена Шана, Анри Матисса и Пьера Боннара.
После окончания Йеля Анушкевич вернулся в Огайо, получив педагогическую степень, чтобы пополнить свой доход от искусства. В 1956 году он окончил Кентский государственный университет со степенью бакалавра педагогических наук. В Огайо, вдали от явного влияния Альберса, Анушкевич начал развивать свой фирменный стиль, создавая абстрактные композиции из интенсивных контрастов теплых и холодных цветов. Он также экспериментировал с взаимодействием дополнительных цветов в различных условиях освещения. К началу весны 1957 года, в возрасте 27 лет, он создал достаточно картин, чтобы переехать в Нью-Йорк и показать свои работы галереям.
В Нью-Йорке Анушкевич сначала встретил отказ. Галеристы, все еще захваченные эмоциональным накалом абстрактного экспрессионизма, не привыкли видеть работы такой точности и упреждающего композиционного интеллекта. Тем не менее, Анушкевич продолжал развивать свою технику рисования, выполняя различные случайные работы, экспериментируя с контрастными цветами, а также исследуя возможности повторяющихся форм и геометрических форм. В конце 1950-х годов он отправился в шестимесячное турне по Европе, а когда вернулся в Нью-Йорк, в марте 1960 года ему дали персональную выставку в галерее Современников. После медленного старта выставка имела оглушительный успех. Альфред Барр, директор нью-йоркского музея современного искусства, купил первую картину «Флуоресцентный комплект» для коллекции MoMA, и другие известные коллекционеры последовали его примеру. После успеха этой выставки Анушкевич оставил другую работу, чтобы полностью посвятить себя живописи. Он также женился на Элизабет (Салли) Фини, школьной учительнице из Ист-Ориндж, штат Нью-Джерси, и пара переехала в Энглвуд, штат Нью-Джерси.
Годы, последовавшие за выставкой «Современники» Анушкевича, принесли ему все большую известность, и его техника развивалась. В 1962-63 годах он начал использовать малярную ленту вместо рисования от руки, чтобы создавать более точные геометрические формы и генерировать острые как бритва линии разделения, которые стали его торговой маркой. Он и другие оп-артисты также начали использовать акриловую краску Liquitex, которая упростила создание острых краев и была доступна в более «современной» цветовой гамме. В 1963 году он выставил пять картин на выставке «Американцы» в MoMA, освещавшейся в журнале TIME, в статье, посвященной его работам. Журнал LIFE также разместил на своей обложке его картину «Меркуриан в огне» в декабре 1964 года, описав Анушкевича как «нового волшебника оп-арта”.
В 1965 году Анушкевич был включен в The Responsive Eye в MoMA, знаменательную выставку, которая помогла оп-арту прорваться в мейнстрим. Среди множества выставленных работ только британская художница Бриджит Райли привлекла такое же внимание к великолепным композициям Анушкевича. New York Times назвала его «одной из самых ярких звезд”, «виртуозным техником, чьи шипящие цвета, расположенные в симметричных полосах, полосах и квадратах, почти прыгают от холста к глазу», которого «уже можно было бы назвать старым мастером”.
Затем последовали слава и новые выставки, в том числе в известной галерее Sidney Janis Gallery в Нью-Йорке. Эта выставка включала в себя часть серии Sol Анушкевича, каждая картина из которой состояла из центрального квадрата внутри другого ярко контрастирующего цвета, что очень напоминало серию Йозефа Альберса «Посвящение квадрату». Большая ретроспектива работ Анушкевича последовала в Кливлендском музее искусств, и он был включен в влиятельный букварь Х.Х. Арнасона «История современного искусства». Его работа стала в высшей степени механической и математической, которую Джон Канадей из New York Times описал как «ослепляющую», «произведения искусства, созданные исключительно расчетом», «выполненные с механической точностью», но тем не менее «по-настоящему прекрасные». Спрос на картины Анушкевича стал настолько велик, что его галерея не успевала за запросами.
К середине своей карьеры Анушкевич работал в основном над расширенными последовательностями произведений. В 1970 году он начал серию, известную как Portals, набор картин, состоящих из вертикальных прямоугольников, сформированных из мягких цветов с вертикальными линиями, разделяющими цветовое поле и обрамляющими центральные светящиеся прямоугольники. Это, в свою очередь, привело к созданию его серии Spectral в середине 1970-х годов, впервые показанной в его новой галерее Andrew Crispo Gallery. Эта серия была даже более математической в композиционном подходе, чем его предыдущие работы, состоящая из преимущественно светлых цветов холодных и теплых оттенков, которые играли друг против друга в тщательно выверенных геометрических рамках, расположенных вокруг центрального квадрата.
В 1980-х годах Анушкевич начал свою «Центрированную площадь», серию работ, в которых была определенная аура классической строгости. Анушкевич все чаще фокусировался на создании оптического ощущения мерцающей атмосферы цвета, которая, кажется, исходит от холста, эффект, который стал известен как «цвет пленки». Поэтому центральные квадраты в этих произведениях можно рассматривать либо как твердые тела, либо как блестящие плоскости света. В 1981-84 годах он также работал над серией «Храм», вдохновленный поездкой в Египет в 1981 году. Эти монументальные произведения обладают своего рода внутренней яркостью, а также подразумеваемой трехмерной монументальностью. В своей серии Translumina, которую он разрабатывал более двадцати лет, он начал работать с явными скульптурными эффектами и средствами, создавая крупномасштабные деревянные конструкции с низким рельефом, а также работая с листами алюминия и стали. В 2000 году он создал серию, посвященную Питу Мондриану, тоже из окрашенной стали. В течение первого десятилетия двадцать первого века он продолжал создавать работы с использованием акрила на холсте, включая серию, основанную на башнях-близнецах в 2011 году.
Анушкевич никогда не подписывал свои картины на лицевой стороне, потому что не хотел ставить под угрозу точный визуальный эффект своих тщательно спланированных композиций. Однако его подпись не обязательна для идентификации этих замечательных произведений, созданных методично и последовательно по композиционной модели, совершенствовавшейся более полувека. Из узнаваемого набора предшественников, включая импрессионизм, неоимпрессионизм, конструктивизм и конкретное искусство, Анушкевич создал уникальный стиль, который, хотя и сыграл решающую роль в определении параметров оп-арта, все еще продолжает развиваться, напоминая нам заново, как расположенные рядом цвета могут вызвать ощущение пульсации, иллюзию движения и вибрации.
Геометрические картины Анушкевича поражают воображение и глаза своим изысканным использованием цвета, словно сияя внутренним светом. В статье в New York Times 1985 года Дэвид Шири писал: «[мы] не знали бы сегодня так много о цвете и не чувствовали бы так много по этому поводу, если бы не Ричард Анушкевич. Он изменил то, как мы думаем и реагируем. эмоционально к цвету и даже повлиял на нашу духовную реакцию на него ». Его работы вдохновляли нас, бросали нам вызов и в поэтической форме связывали нас с нашим духом. По словам Анушкевича: «[я] подобно импрессионистам, я хочу, чтобы зритель смешивал цвета в его глазах. Я не хочу смешивать их на палитре. Таким образом я получаю большую интенсивность цвета и большую чистоту». Однако, в отличие от импрессионистов, я освободил такие исследования от предмета и открыл большую свободу в беспредметном искусстве ».
Анушкевич считается одним из основателей и гигантов оп-арта в Америке, хотя он утверждает, что не принадлежит к какой-либо группе, и его работы также описываются как искусство восприятия и научное искусство. В эпоху, с тех пор как это движение было определено и прославлено (грубо говоря, первая половина 1960-х), его работы либо восставали против – например, минималисты, такие как Дональд Джадд – либо хвалили, критиковали или подражали. Но это редко игнорировалось. Между тем, в поп-культуре его работы и работы движения оп-арта в целом окажут влияние на индустрию моды, рекламы и музыки.
Однако эти внешние реакции на искусство Анушкевича редко влияли на личное видение, которое руководило его развитием. Между тем его долголетие гарантирует, что это видение продолжает поддерживать движение оп-арта через полвека после его зарождения. Как писал Деннис Дули: «Картины Анушкевича снова и снова заставляют нас удивительно творчески размышлять о нашем опыте человеческих существ в физическом мире, а также о мире, определяемом культурными ассоциациями».
